Wilder tenia experiencia en el cine mudo y con películas alemanas, en las cuales también había colaborado como guionista y donde había comenzado su deseo de dirigir: Recuerdo perfectamente el día en el que decidí ser director. Fue cuando vi una película cuyo guión yo había escrito para la UFA, en Alemania. En la película salía un club nocturno que tenía un gran cartel en el exterior: Es obligatorio llevar zapatos y corbata. Había dos porteros, que miraban a las personas que entraban para ver si llevaban zapatos y corbata. En uno de los gags que escribí, un hombre llevaba una barba larga; el portero lo para y mira debajo de la barba para asegurarse de que lleva corbata. Cuando fui a ver la película, me encontré con que el director le había puesto a ese actor una perilla; ya no había una barba que levantar para mirar debajo. El director conservó el chiste porque creyó que seguiría siendo divertido; pero ya no tenía gracia. Así que dije: hasta aquí hemos llegado". Uno debe recordar, como guionista, que nadie va a leer lo que escribe. Por eso me hice director, porque nadie leía mis guiones. 

Entre las películas de su periodo alemán puede nombrarse:

1. Der teufelsreporter, 1929, película muda.

2. Gente en domingo (Menschen am sonntag), 1930, película muda.

3. Princesse, à vos ordres!, 1930, película muda.

4. Der mann, der seinen mörder sucht, 1931.

5. Ihre hoheit befiehlt, 1931.

6. Seitensprünge, 1931.

7. Der falsche ehemann, 1931.

8. Emil y los detectives (Emil und die detektive), 193.

9. Es war einmal ein walzer, 1932.

10. Ein blonder traum, 1932.

11. Scampolo, ein kind der strasse, 1931.

12. Madame wünscht keine kinder, 1933.

13. Was frauen träumen, 1933.

En 1942 dirige su segunda película, la primera hollywodense: El mayor y la menor; su primera película había sido rodada en París, en su escape desde Berlín hacia Estados Unidos: Curvas Peligrosas (Mauvaise graine). 1934, narraba la historia de un grupo de delincuentes juveniles ladrones de coches, dos de los cuales se enamoran mutuamente y quieren salirse, arriesgando sus vidas porque saben que si abandonan la banda serían asesinados.

La película no contaba con mucho entusiasmo por parte de Wilder quien decía que la había hecho por pura necesidad y sin experiencia, aunque reconocía en ella una precursora del cine que popularizarían luego directores como Godard y Truffaut, al usar escenarios naturales y sonido directo. Lo que mas molestaba a Wilder era el ambiente parisiense: aquella atmósfera fría y de rechazo en la que nosotros, los emigrantes, vivíamos en París.

PERDICIÓN: EL PRIMER ÉXITO DE WILDER

Era una tarde calurosa y aun recuerdo el olor a madreselva en toda la calle. ¿Cómo no supe que a veces el asesinato huele a madreselva?.
Voz en off de Walter Neff (Uno de los asesinos)

La película que consagrara a Wilder será Perdición / Pacto de Sangre (Double Indemnity), 1944. Basada en una novela de James M. Cain, la película narra la historia de Walter Neff, un vendedor de seguros que conoce a Phillips Dietrichson, esposa de un posible cliente, quien pretende deshacerse de su marido y para ello utiliza a Walter, el cual, cegado por su pasión hacia ella, interviene en el asesinato. Todo el conflicto es seguido por el mejor amigo y jefe de Walter, que acaba descubriendo la trama.

La película cuenta con dos méritos considerables: en primer lugar los culpables son gente normal y corriente, atrapados por la ambición y la pasión sexual, a diferencia de otras películas donde se marcaba la diferencia entre los criminales y la gente normal; el segundo punto a destacarse es el nuevo estilo de policial, lo que Raymond Chandler, (coguionista del film junto con Wilder), llama la cacería, es decir: desde el comienzo se sabe quienes son los culpables y lo que da interés al film es ver cuando se los atrapara.

Sin embargo, para hacer la película Wilder tuvo que soportar muchos problemas: su guionista habitual, Brackett se había rehusado a colaborar con él: Yo estaba entusiasmado con la historia. Le dí a Brackett el texto, quien me lo devolvió poco después, sujetándolo sólo con la punta de los dedos. Me dijo que era basura. No quería participar en una porquería semejante, en la que todo sucede a causa de los más bajos motivos. Creo que no quería que su buen nombre apareciera en los créditos de una película tan sospechosa.

Por otro lado, Raymond Chandler, (quien suplanto a Brackett como coguionista), era un gran escritor de novelas policiales pero estaba realizando su primer trabajo en el cine y el ambiente extraño lo hacia irónico y ofensivo. Así su trabajo con Wilder no termino en buenas relaciones: Chandler redacto un documento que elevo a las autoridades de los estudios diciendo las "humillaciones" a las que lo sometía el director: El señor Wilder no debe dar al señor Chandler ordenes de naturaleza arbitraria como "Ray, quieres abrir esa ventana?" o "Ray, ¿quieres cerrar esa puerta, por favor?

Por su parte, Wilder reconocía las diferencias que había entre él y Chandler: primero estaba mi acento alemán. Segundo, yo conocía mejor las herramientas que teníamos que utilizar. Y, además, yo tenía algo: era joven y salía con chicas guapas. Todo esto lo hacía volverse loco. Me miraba fijamente. Yo encarnaba todo aquello que él odiaba de Hollywood. Además, no podía sobreponerse al hecho de que, en lo que se refería al guión, yo tuviera la última palabra.

La película fue un éxito y Hitchcock le mando un telegrama a Wilder que decía: "Desde Perdición, las dos palabras más importantes en el mundo del cine son Billy Wilder".

Lamentablemente la Academia no opino lo mismo y Wilder fue derrotado por Leo McCarey: ... durante la entrega de premios me sentaron en las primeras filas, junto al pasillo central, para que no tuviera que recorrer un camino demasiado largo -al fin y al cabo, nuestra película había sido nominada siete veces-, pero en aquella ocasión la bendición de los Oscars recayó sobre la mediocre película de Leo McCarey, Siguiendo mi camino, película irónica, optimista y muy católica.

Cada vez, cuando se oía: "The winner is...", Leo McCarey se apresuraba, con paso alegre, hacia delante, ya que estaba de pié, esperanzado, al fondo del pasillo central. "Mejor argumento: Siguiendo mi camino". Leo McCarey trotaba hacia delante. Después recorría de vuelta el largo camino a su puesto de espera. "Mejor canción: Siguiendo mi camino". De nuevo tenía que recorrer el mismo largo camino, con el mismo trotecillo triunfal. Aquello se repitió cinco veces. Después se llegó a la "Mejor dirección" y después a la "Mejor película". Como ya he dicho, yo estaba junto al pasillo cuando Leo McCarey volvió a pasar por mi lado. Y entonces no pude evitar sacar un poco el pié, de modo que tropezó y casi se cayó. No, no se cayó de bruces, como después de dijo. Lamentablemente..."La critica había sido claramente laudatoria, aunque con maldades varias: el N. Y. Times describió la película como "básicamente entretenida, pese a su ritmo monotemático y a su duración. El N. Y. Herald se mostró más entusiasta y definió Perdición como una del películas más vitales y sugerentes del año y elogió a Wilder por la magistral dirección y el sensacional guión. Variety afirmaba que "será un punto de referencia para posteriores producciones cinematográficas pertenencientes a la misma categoría.

DÍAS SIN HUELLAS: TOMAR NOTA

Wilder decidió mostrar al alcohol como una enfermedad, desechando los clichés que mostraban imágenes cómicas asociadas con el tema, como el marido que llega a casa y lo espera la mujer con el palo de amasar en la mano, o el borracho ingenioso que sirve de relajo cómico.

Días sin huella (The lost weekend), 1945, cuenta la historia de Don Brinam, quien está sumido en la desesperanza debido a su fracaso profesional y ha convertido su vida en un infierno debido a su adicción al alcohol, a pesar de los esfuerzos de su hermano y su novia en sentido contrario.

Wilder rodó la película en las calles de Nueva York originando un gran realismo: la escena en la que Ray Milland llega a la planta de alcohólicos del hospital, las escenas en el bar o la secuencia en la que Brinam intenta vender la máquina de escribir y va de una casa de empeño a otra, o la escena magistral en la que Brinam entra en el bar y pide una copa. El vaso deja en la barra un círculo mojado. Después de la tercera copa, el camarero quiere limpiar los círculos: "No los limpies, Nat " -dice Ray Milland-. "Déjame mis pequeños círculos viciosos". Y empieza a filosofar sobre el círculo, una figura que no tiene final ni principio...

La película fue destrozada en el preesteno, cuando los asistentes opinaron cosas como después de ver la película no he renunciado a beber, he renunciado a ir al cine. La Paramount decidió archivar la película y pareció un duro golpe a la carrera de Wilder; sin embargo, meses después, la película fue reestrenada y tuvo un gran éxito de publico, ganando 4 Oscars.

La critica fue en su mayoria positiva: El N. Y. Times la llamó una película desgarradoramente realista y morbosamente fascinante... una obra maestra del séptimo arte. El N. Y. Herald Tribune la definió como "un hito de la historia cinematográfica... una pieza exquisita de principio a fin". James Agree, uno de los críticos más duros de la época escribió en The Nation que a pesar de ser una película poco común, dura, tensa, cruel, inteligente y directa, no le parecía que tuviera interés creativo.

Durante esos años también sucedían otras cosas: Estados Unidos estaba entrando en la Segunda Guerra Mundial y los estudios no podían mantenerse aparte: Todos nos entrenábamos para la guerra, pero cuando pienso en ello retrospectivamente, nuestros ejercicios se parecían más a las películas cómicas del cine mudo: los estropicios que se hacían para evitar y prever otros estropicios eran considerables. Recuerdo cómo nos entrenábamos en la calle Bel Air, donde vivían Hitchcock y Lubitsch, ensayando cómo colocar a un herido en una camilla, cómo meterlo después en una ambulancia y cómo trasportarlo lo más rápidamente posible a un hospital.

Nuestro ejercicio amenazaba con fracasar ya que todos los hombres que queríamos poner en la camilla pesaban demasiado, o mejor dicho: nosotros no éramos lo bastante fuertes. Así que nos decidimos a salvar a una mujer herida. Incluso de entre las mujeres, elegimos a la más menuda de que pudiéramos disponer, y ésta fue Alma, la mujer de Alfred Hitchcock, que en lo que refiere al peso era todo lo contrario de él. Así que la pusimos en la camilla, la atamos firmemente, y entre cuatro la llevamos a la ambulancia, tan deprisa como pudimos. La metimos dentro y, al instante, la ambulancia partió a toda velocidad haciendo sonar la sirena. Pero por desgracia, con todo aquel ajetreo, habíamos olvidado cerrar la puerta de la ambulancia. La camilla, con Alma Hitchcock, se cayó y puesto que en Bel Air las calles son bastante empinadas, poco faltó para que se hiciera realmente daño, o rodara toda la calle abajo, hasta Sunset Boulevard.

TIEMPO DE CINISMO

En 1950, Wilder realiza una de sus películas mas feroces, El Ocaso de una Estrella (Sunset Boulevard), que narra la historia de Joe Gillis, un escritor de segunda que se refugia en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, la cual vive alejada de la realidad y sólo acompañada por su criado Max, con quien estuvo casada. A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guión que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine.

Wilder confesaría: para mí esa película es Hollywood; el guionista, el agente, la estrella olvidada, todos eran retratos del natural.

La reacción a la película en los estudios fue tremenda y el jefe de la MGM, Louis B. Meyer, se abalanzó sobre Wilder completamente enfurecido, gritándole: ¡Bastardo, ha arrastrado por el lodo a la industria que lo ha convertido a usted en alguien y que le ha dado de comer. Habría que alquitranarlo y emplumarlo y echarlo de la ciudad!". Wilder no se inmuto. Se limito a decirle: "Fuck you!.

Sin embargo la critica no dudo en alabar el film: El N. Y. Times declaro: El Ocaso de una Estrella es una rara mezcla de guión cáustico, interpretación magnífica, dirección magistral y fotografía discretamente artística con la que el público queda hechizado de manera automática y cautivo de un clímax desgarrador" y James Agee la definió como "como película muy valiente y ejemplo más sobresaliente y logrado de la obra de Hollywood.

La siguiente película de Wilder continuaría el tono de dureza y critica de El crepúsculo...; El Gran Carnaval (Ace in the hole). 1951, protagonizada por Kirk Douglas, es la historia de un periodista, Charles Tatum (Dougas), despedido de un diario neoyorkino, que encuentra trabajo en un periódico de Alburquerque, en Nuevo México. Allí se entera que un indio está atrapado en el fondo de una galería minera. Dispuesto a sacar provecho de la noticia, consigue que se adopte el modo más lento de salvación para escribir cada día un capítulo sobre los hechos. [La película está basada en un hecho real]

Este fue el primer gran fracaso de Wilder; las razones esgrimidas fueron varias, pero la principal es que el publico se veía como gente vil, que en su mayor parte disfrutaba del dolor ajeno; Wilder diría años después: El gran carnaval (The Big Carnival, 1951) era una película muy buena; el argumento tenía fuerza y estaba bien trabajado. Pero la gente no quería saber; la gente no quiere que le cuenten que si hay un accidente en la calle y hay un herido grave, antes de ira a avisar a un médico, se quedan contemplando con curiosidad morbosa la tragedia. Eso es lo que había en la película: el circo, la música, la gente emborrachándose y pasándoselo bien... Diría que no es un tema fácil de digerir, la gente se sentía un poco culpable.

Las únicas criticas favorables ocurrieron en Europa. La revista británica Today´s Cinema la definió como "el ejemplo más brillante del cine norteamericano".

SABRINA: TIEMPO DE ROSAS Y ESPINAS

En 1954 Wilder se acerca mas que nunca a las películas que producían la "maquina de sueños": dirige Sabrina, protagonizada por Humphrey Bogart (Linus Larrabee) y Audrey Hepburn (Sabrina). La película trata sobre una inocente muchacha que esta enamorada del hijo menor de una poderosa familia de la que su padre es chofer. De regreso de un viaje a París ya crecida y con modales intenta conquistarlo, chocando con la oposición del cabeza de familia, hermano mayor de su amor: Linus Larrabee.

Si bien la película fue un gran éxito, su realización tuvo varios problemas; el mayor de los cuales era la animosidad de Bogart hacia Wilder. "Bogart no me podía soportar; tampoco podía soportar su papel y no hacía un secreto de ambas cosas. Hasta entonces, había interpretado sobre todo a tipos duros que llevaban gabardina, que ocultaban sus sentimientos. Se había hecho famoso por su papel de Rick en Casablanca y acababa de ganar el Oscar por su papel en La reina de Africa. Y ahora debía engañar a una muchachita cursi, para quedar, finalmente, a su merced. A él esto no le gustaba".

Para demostrarlo, una mañana (Bogart) llegó al plató y contó que la noche anterior había cenado con Huston y habían estado hablando de directores de cine. Y de quienes eran los mejores. Huston y él habían elaborado una lista: "Y usted, Billy, no estaba entre ellos. ¡Huston ni siquiera le mencionó!"

Las criticas, por su parte, luego del desastre de El gran carnaval, volvieron a ensalzar a Wilder: El N. Y. Times declaraba: "Sabrina es la mejor comedia romántica de los últimos tiempos", y su crítico aseguró que no había disfrutado tanto con una película romántica desde Sucedió una noche, hacía veinte años. Para Variety fue "una comedia romántica impresionante" y el Time opinó que era "un entretenimiento absolutamente arrebatador."

MARILYN: EL INFIERNO DESEADO

Existen más libros sobre Marilyn Monroe que sobre la II Guerra Mundial. Hay una cierta semejanza entre las dos: era el infierno, pero valía la pena.
Billy Wilder.

Wilder se aburría rápido y luego de Sabrina realizo dos películas mucho mas sensuales y por las cuales aun hoy se lo recuerda. La primera fue La tentación vive arriba (1955), protagonizadas por Marilyn Monroe (la chica) y Tom Ewell (Richard Sherman)

La trama se desarrolla en un verano en la ciudad de la Nueva York y es la historia de un norteamericano medio, que lleva siete años casado, durante los cuales no se ha separado de su mujer ni de su hijo, pero a los que acaba de despedir en la estación, camino de unas vacaciones que él no podrá compartir. Para su sorpresa, se encontrará con que los vecinos de arriba han dejado su apartamento a una rubia espectacular...

La escena que a inmortalizado el film es la de Marilyn parada sobre un respiradero con el vestido danzando a su alrededor. Wilder: Cuando rodé con ella la escena de la boca de ventilación del metro tenía la atención del mundo. Se reunieron veinte mil personas, hubo caos de circulación y una crisis matrimonial entre Joe DiMaggio y Marilyn. Reconozco que yo también me habría puesto nervioso si veinte mil personas hubieran estado observando una sóla cosa: cómo mi mujer se levantaba las faldas por encima de la cabeza.

La película fue el segundo gran éxito de Wilder durante los 50, recaudando 12 millones de dólares, aunque él se sentía molesto por la censura que lo obligo a suavizar el tema sexual: "Yo quería para el papel de marido a Walter Matthau, que le habría dado al papel un fuerte trasfondo sexual, pero en aquella época no se podía ni pensar que los dos adúlteros se acostaran juntos en la película. Ni siquiera me permitieron que apareciera una horquilla en la cama de él, al día siguiente. Creo que la mojigatería de 1955 ha perjudicado a la película"

La crítica también se baso en gran parte en la sexualidad del film y el bajo perfil elegido para tratarlo: El N. Y. Times admitía que existía un cierto vacío y tedio en la ansiedad sexual del señor Ewell. Time se lamentaba del "escrupuloso lavado" al que había sido sometida la obra, pero alababa el estilo cómico de la Monroe. Variety también se hizo eco del proceso de "adecentamiento" que había sufrido la obra teatral, y calificó la película como divertida y taquillera.

Su segundo trabajo con Marilyn seria cuatro años después en Con Faldas y a lo loco (Some like it hot). 1959. En esa película también trabajarían Tony Cutis (Joe) y Jack Lemmon (Jerry). La trama es simple y atractiva: Dos músicos desocupados presencian la matanza del día de SanValentín. Sin dinero y con la intención de salvar la vida, se contratan en una orquesta de señoritas, que se marcha de gira al día siguiente. Todo va bien hasta que Joe (Josephine) se enamora de Sugar, una chica que toca en la orquesta y Jerry (Daphne) conoce a Osgood, un millonario que también tiene sus propios planes para el futuro.

Si bien la película tuvo éxito, la filmación no fue fácil y se evidenciaron varios problemas con Marilyn: llegaba tarde, se olvidaba las letras (Hubo una escena que tuvo que rodarse 59 veces. El parlamento que decía era: "¿Dónde está esa botella de bourbon?", mientras lo buscaba en un cajón), quería que la película fuese a color y se negó a bajar diez kilos para el rodaje.

Wilder diría sobre ella y su legendaria tardanza: Sobre la impuntualidad de Marilyn debo decir que tengo una vieja tía en Viena que estaría en el plató cada mañana a las seis y sería capaz de recitar los diálogos incluso al revés. Pero, ¿quién querría verla?... Además, mientras esperamos a Marilyn Monroe todo el equipo, no perdemos totalmente el tiempo... Yo, sin ir más lejos, tuve la oportunidad de leer Guerra y Paz y Los miserables.

Después de esta película Wilder no trabajo mas con Marilyn: Me han preguntado si volveré a trabajar con M. M, y tengo una respuesta clara. Lo he discutido con mi médico, mi psiquiatra y mi contable, y todos me han dicho que soy demasiado viejo y demasiado rico para someterme de nuevo a una prueba semejante.

En el medio de sus trabajos con Marilyn había filmado una película totalmente distinta: Me aburro si hago siempre lo mismo. Admiro a Hitchcock; pero no podría trabajar como él, porque siempre hacía la misma película. Me dije: "Ahora voy a hacer una película mejor que Hitchcock" e hice Testigo de cargo (Witness for the prosecution, 1958), por ejemplo.

WILDER, EL DULCE

En 1963 Wilder filma uno de sus grandes éxitos: Irma, la dulce. Protagonizada por Jack Lemmon (Nestor Patou) y Shirley MacLaine ("Irma la dulce"), la película cuenta la historia de amor entre una prostituta parisina y un policía. Ella está cansada de su chulo y desanimada por su trabajo y lo llega a perder por culpa del policía, el cual se acaba convirtiendo en su protector.

Hay una divertida anécdota sobre la película: Mandaron a un sacerdote al estudio porque en la película aparecía una boda católica, y debía velar para que en esa escena no sucediera nada blasfemo. Wilder cuenta cómo el cura cada vez se sentía más y más a gusto mientras las actrices disfrazadas de putas daban vueltas voluptuosas a su alrededor.

Como siempre la crítica se dividio en iguales medidas: N. Y. Times dijo que Wilder había conseguido hacer una película aceptable del picaresco espectáculo teatral. La revista Life la consideraba "rabiosamente cómica y honestamente romántica". mientras que Newsweek concentraba sus alabanzas en J. Lemmon y afirmaba que éste había salvado la reputación de Wilder y, con ello, la película. Las críticas negativas por su parte , tampoco escacearon: New Yorker calificaba el guión de "modelo de vulgaridad" y sólo reconocía que Lemmon y S. MacLaine casi habían logrado "limpiar de mugre la película" y El Saturday Review describía el guión como lamentable, vulgar y no veía nada gracioso en él".

En 1970 rueda lo que considera su obra personal: La Vida Privada De Sherlock Holmes (The private life of S. Holmes) basada en dos episodios de Sherlock Holmes, sacados de los supuestos papeles legados del doctor Watson: el primero trata de una bailarina rusa que quiere cruzar su hermoso cuerpo con la inteligencia del detective; el segundo de una trampa que una espía alemana le tiende, y de la que termina enamorándose.

Lamentablemente la película no tuvo éxito y eso le trajo algunos problemas; sin embargo a lo largo de los años, ha sido reconocida como un clásico de la filmografía de Wilder.

En 1974, como si volviera a sus tiempos de escándalo, rueda Primera Plana, (Front Page), basada en una obra de Hetch y MacArthur, que ya había sido llevada al cine dos veces. La película cuenta como un grupo de periodistas espera, en la sala de prensa de la policía de Chicago, la ejecución de un hombre acusado del asesinato de un agente del orden.

La visión de los periodistas inescrupulosos no lo ayudo con la critica, y, lo peor de todo, es que el propio Wilder no estaba contento con los resultados: En la actualidad, creo que fue estúpido por mi parte hacer un remake de Primera plana. Además, no rodé la película porque yo mismo hubiera sido periodista de joven, como a menudo se ha pretendido. No, mi error fue rodar una nueva versión de una pieza de la que ya había una versión cinematográfica convincente. Además, cuando Hetch y MacArthur escribieron la historia era absolutamente actual. Es decir, es una sátira de los años veinte sobre los años veinte. Cuando se lleva al cine cincuenta años más tarde, se convierte en una película costumbrista corriente

La ultima película de Wilder, protagonizada por Jack Lemmon (Victor Glooney) y Walter Matthau (Trabucco) fue Compadres (Buddy, buddy) 1981.

La historia trata de un asesino profesional y de un desempleado a quien su mujer ha abandonado, que se alojan en el mismo hotel, en habitaciones continuas, uno a la búsqueda de su mujer y que pretende suicidarse; el otro haciendo los preparativos propios de su profesión. El confuso marido se cruza constantemente en el camino del asesino. Y se origina al paradoja de que el gángster tiene que salvarle la vida en lugar de matar a otro, porque el suicidio impediría el asesinato

Lamentablemente la película fue un fracaso y el propio Wilder sabia cual fue la falla: fue absolutamente erróneo tomar a dos cómicos. Después de haber rodado durante dos semanas me di cuenta que tendría que haberle dado el papel de asesino a alguien que impresione, y no a un cómico. A Clint Eastwood, en lugar de a W. Matthau.

La critica fue inapelable: la película no convencía: Newsweek la consideró pasada de moda y otros periódicos dijeron que Wilder y Diamond habían perdido el contacto con la realidad. El crítico Rex Reed decía que el film era como un pez de colores medio asfixiado que yace sobre una alfombra de nailon haciendo patéticos esfuerzos por respirar y que Lemmon y Matthau acababan pareciendo dos histéricos chillones y sudorosos trepando por las paredes acolchadas de la habitación de un manicomio. Hubo críticas despiadadas, como la de Variety, que proclamaba: Aquí un amigo es sin duda la película menos consistente de las veinticinco obras de Hollywood de Billy Wilder; una comedia absolutamente triste.

Inevitablemente Wilder, muerto el 28 de marzo de 2002 ya no podrá cumplir su deseo: Me gustaría morir a los 104 años, completamente sano, asesinado por un marido que me acabara de pillar, in fraganti, con su joven esposa.

BIBLIOGRAFÍA

Web dedicada a Billy Wilder de Juanjo: http://members.es.tripod.de/bwilder/index.html

Billy Wilder. Aquí un amigo, Kevin Lally, traducción de Ana Alcaina, Ediciones B, Barcelona, 1998.

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Billy Wilder. El crepúsculo de los dioses: Sunset Boulevard, Adolfo López Bellido, Ediciones Paidós, 2.000.

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Con faldas y a lo loco. Billy Wilder (1959)., Rafael Ballester Añón., Editorial Ediciones Octaedro, 2.000.

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Billy Wilder in Hollywood, Maurice Zolotow, Limelight Editions, Nueva York, 1987.

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Billy Wilder: la romántica amargura de un cínico, Juan Carlos González Rentero, JC Clementine.

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The Hollywood professionals, Volume 7, Billy Wilder and Leo McCarey, Leland A. Poague, Tantivy/Barnes, 1980.

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Y Dios creó a Billy Wilder, Documental TV.